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作为世界上首屈一指的表演艺术学院之一，茱莉亚学院花了一个多世纪的时间来发掘和培养音乐、舞蹈和戏剧方面的顶尖人才。约瑟夫·w·波利西(Joseph W. Polisi)从1984-85学年开始担任茱莉亚学院的第六任校长，也是现任校长。他被视为艺术教育领域的变革人物，专注于对课程进行重大补充，特别是在社区拓展领域。我们在纽约林肯表演艺术中心令人印象深刻的茱莉亚音乐学院总部会见了约瑟夫·波利西。在一个阳光明媚的秋日下午参观学校，观察戏剧和舞蹈的学习时，我们很高兴地遇到了纽约爱乐乐团的音乐总监，艺术大师艾伦·吉尔伯特，他教一位年轻的指挥，并与茱莉亚学院自己乐队的天才学生一起排练。
焦点:对许多人来说，茱莉亚音乐学院是培养顶级艺术人才的竞争优势和严谨奉献精神的代名词。可以说，茱莉亚音乐学院是如何在人才的潜力还处于萌芽阶段的时候识别他们的呢?
约瑟夫·波利西(Joseph W. Polisi):首先，我们仍然有一个非常传统的试镜过程，这个过程和音乐史一样古老。但更普遍的是，对于了解自己专业的教员或音乐家来说，实际上很容易很快就能识别出非凡的才华。
你正在寻找哪些指标来帮助评估潜力和预测未来的成功?
首先，人们对音乐家的评价与对演员或舞者的评价有很大的不同，音乐本身也有不同。例如，一个17岁的小提琴手、钢琴家或大提琴手是相当高级的，在茱莉亚音乐学院，我们希望他们在这个年龄试听这些乐器时，能发现重要的技术和艺术。对于声音，因为它是一种较晚成熟的工具，我们相应地调整我们的期望。
还有那些舞蹈和戏剧的申请者?
在舞蹈中，需要大量的技巧和技巧，这有点类似于我所说的人们如何看待音乐。然而，在戏剧中，我们主要看潜在的想象力和创造力。这是我们筛选最严格的地区，18个名额有1500个申请者，所以我们的录取率不到1%。在某些领域，申请人会有丰富的经验，我们会马上看到一些人才，一定水平的技术。在其他学科中，我们主要看到的是想象力、创造力、即兴创作技能和冒险意识——这些都是这些领域所必需的。
这些技能在评估音乐天赋时也很重要。
当然。你可以听到一个人用大提琴演奏柴可夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，他可能所有的音符都是正确的。但另一个人不仅掌握了所有的音符，还掌握了这首曲子所需要的想象力、创造力和塑造能力。
考虑到这种人才必须是全球性的，而且在某些情况下很难找到，你是如何找到这种人才的?
事实上，我们的教师投入了大量的时间周游世界，在研讨会、大师班和比赛中倾听年轻人才的声音。如果我们发现有才华的人，我们建议他们来茱莉亚音乐学院，如果他们想入学的话，就来试镜。当然，我们也会在公立学校、弱势社区和农村地区寻找当地人才。
试镜中没有透露什么?你是否看重一个人的性格?
他们的求知欲。我们进行面试;我们看成绩单、推荐信、论文等等。但我们也会调查这个人是谁。
你是怎么做到的?
随着项目的发展，研究也变得更加广泛和深入。例如，我们的博士项目也是高度选择性的，我们有一系列广泛的考试和面试。对于一个本科生，我们会和他们进行一些详细的交谈，以了解他们对什么感兴趣。理想的茱莉亚学院学生不仅是一个非常有趣的艺术家，而且有很强的求知欲，对自己的世界有感觉，而且是一个渴望成为领导者-通过他们的艺术创造不同。但要想通过面试，你还得通过试镜。
那些喜怒无常的艺术家呢?他们的技巧和表现力都很完美，但在其他方面却不具备你想要的特质。
我们试着和年轻人一起工作，培养他们自己的自我意识，他们自己的社交智能。但说实话，茱莉亚学院在这方面并没有太大的耐心。茱莉亚音乐学院的学生没有被训练成单纯的独奏家，尽管他们最终可能会成为独奏家。例如，每个学生都在管弦乐队演奏;没有例外。室内乐也是一样。我个人对所谓的艺术气质一点也不耐心。我遇到的绝大多数成功的艺术家都不难相处——只要你了解他们的需求和优先事项是什么。
例如，茱莉亚音乐学院在挑选年轻人才方面有多成功?
毕业率非常高;很少有人员流失。我认为茱莉亚音乐学院最严格的方面之一就是招生过程。我们对此保持绝对警惕，绝不妥协。一旦学生被录取，我们真的会帮助他们成长为艺术家和年轻人。
如果他们被录取了，你知道他们会参加课程吗?
我们不可能百分之百地知道，有些人无法承受压力。话虽如此，他们在茱莉亚音乐学院所承受的所有压力中，迄今为止最大的压力来自于内部。我们知道这是事实。他们是逼迫自己的人。
在你对未来潜力的预测没有实现的情况下，是否有一个最重要的原因?
可能会有一大堆问题。最简单的是，他们做了一个精彩的试镜，在他们的生活中再也不会这样做了。这种事偶尔会发生。还有心理问题，体力问题，甚至还有关于时间管理的文化问题。请记住，我们33%的学生是国际学生，所以他们带着巨大的文化和语言差异来到这里，仅仅是想家就可能成为一个问题。我不认为任何一所任何地位的学校都能百分之百地预测成功。这是不可能的。
先撇开专业技术不谈，茱莉亚音乐学院是如何帮助青年才俊在心理和个人发展方面发挥潜力的?
我们与所有的教师合作，包括工作室教师、课堂教师，帮助他们了解这些年轻艺术家的需求。例如，在学生的压力下可能会出现潜在问题的线索。在过去，一位教员可能会说:嗯，那不关我的事。现在我们每年举办研讨会，培训他们识别这些问题。或者让我们假设一个学生有很强的求知欲，需要额外的刺激。我们与哥伦比亚大学有一个项目，让学生们可以学习在茱莉亚音乐学院无法提供的课程，包括科学、数学、斯瓦希里语、阿拉伯语或中文等外语。我们还有一个针对本科生的学术卓越项目，他们可以通过做额外的工作来拓展自己的智力，比如深入的研究，从而写出严肃的论文。
你的学生在获得表演艺术学位的同时，还能获得一个完整的文科学位吗?
我们为本科生提供高水平的文科教育。25%的课程是人文学科，这是基于伟大的书籍和苏格拉底的教学方法。然而，你不能真正期望同时拥有音乐学院经历的全部影响和文科经历的全部影响。我希望有人可以。我想了很多，并尽我所能把它推向那个方向。但归根结底，就纯粹的时间管理而言，当你有一个钢琴家每天需要练习六到八个小时，你不可能要求同一个人也花六到八个小时在图书馆里做研究。
从另一个角度来看，你如何鼓励学生在音乐之外扩大他们的视野?
这确实是一个重要的问题。我们试图做的是激发这些年轻人的想象力，找出他们在智力和艺术上想要走向的方向。然后我们的目标是培养和指导他们，让他们在这个方向上取得进步。我们的老师在发现这些兴趣爱好时特别警惕。
一个充满活力的卓越创意中心:无论是在戏剧、音乐还是舞蹈方面，在茱莉亚音乐学院，下一代全面发展的艺术人物正在被培养到成熟。茱莉亚音乐学院的卓越地位不仅体现在纽约爱乐乐团的音乐总监艾伦·吉尔伯特(Alan Gilbert)等杰出导师身上，也体现在茱莉亚音乐学院手稿收藏中的珠宝上，包括莫扎特、肖邦、科普兰和马勒第九交响曲第一乐章的亲笔手稿(如图)。
你是否有适当的指导系统?
是的。我们有一个指导系统，在这个系统中，学生自愿与教师导师一起工作，而且有很高比例的本科生选择了这个选项。例如，如果你是长号手，我们通常建议你的导师是一位舞蹈家，这样可以拓展你的视野。这种方法非常有效，尤其是在激发想象力方面。此外，最近，我们在课程中发展了四种交叉潮流，以这样或那样的方式影响每一个学生。这些主题包括写作和口语技能;具备信息素养，懂得如何聪明地使用互联网;技术如何与戏剧、舞蹈和音乐方面的新作品相关联;最后是企业家精神:你如何跳出思维定式?这是非常重要的，因为年轻的艺术家太沉迷于他们的工作了，他们的工作是有效的艺术家，他们可能会发展出狭隘的视野。
你如何选择你的老师?
像任何教育机构一样，教师是这个地方的心脏。首先，我们看重的是专业经验。但即使他们是非常著名的演员——我们当然有一些这样的演员——我想确保他们也是敬业的老师。一旦所有这些都完成了，我就会把他们当成人来看待:他们对什么感兴趣，他们将如何成为这里社区的一部分?他们希望自己的学生取得什么成就?如果一位老师对我说:“我希望我的学生每天练习8小时，我不希望他们参加任何课外活动。”我会再三考虑这位老师是否适合茱莉亚音乐学院。
您经常说表演艺术教育正在悄然发生一场革命——至少就茱莉亚音乐学院而言是这样——您的目标就是推动这场革命。
当我1984年来到茱莉亚音乐学院时——这是我担任校长的第30年——我非常想改变这个地方文化中的一些关键元素。但我知道贸然行事是错误的。我也不想质疑学校的基本使命，那就是教育和训练下一代的舞蹈家、音乐家和演员。所以我决定这应该是一场革命，但它应该是安静而渐进的，我认为这实际上是过去几年发生的事情。
这场革命的基本原则是什么?
我要求我们的年轻艺术家拓宽视野，考虑他们在舞台之外的责任是什么，看看如何培育艺术，尤其是在公众支持变得如此薄弱的时候。他们应该比现在更坚定地将艺术固定在我们的教育体系中。他们应该帮助公众理解为什么艺术是我们社会结构的重要组成部分。
“我们期待最高水平的艺术表演，但我们还会期待更多。”
那么，你的学生被训练成艺术文化大使?
这种艺术家作为公民的主题已经成为学校的一个非常重要的组成部分。我们期待最高水平的艺术表演，然后我们期待更多。我们希望，作为艺术的有效倡导者，我们的学生了解我们的世界是如何运作的，并利用这种理解来帮助艺术成为社会更重要的一部分。
艺术家作为公民的角色和责任是什么?为什么这一点如此重要?
公共部门辜负了古典艺术。美国国家艺术基金会(National Endowment for The Arts)很长一段时间以来都没有在收入支出方面发挥重要作用，或许可以追溯到尼克松政府时期。在我看来，以任何有意义的方式资助艺术甚至都不是政治对话的一部分。艺术已经被边缘化了，面对这样的阻力，没有政治家认为推动艺术前进有任何价值。总而言之，随着我们的教育体系不再强调艺术，我认为我们是在自食其果。
缺乏对艺术的支持会在一个民族文化中产生怎样的影响?
它对我们的教育系统产生了悲剧性的影响，产生了持久的影响。如果你不知道艺术是什么，你没有在某种程度上认真地体验它们，你最终会平庸。正如我常说的，平庸就像一氧化碳。你闻不到它，也看不见它——总有一天它会杀了你。这是我们必须反对的，我认为美国在这方面做得不是很好。我们看到了新一代的领导人，他们与艺术的力量以及艺术在我们的教育体系和社会中的重要性毫无关系。
艺术通常被认为是精英主义和排他性的，但事实并非如此。它们适合所有人。这就是为什么在我看来，有一种作为艺术家的责任感，成为艺术的倡导者，是艺术家教育的重要组成部分。这也是我们在茱莉亚音乐学院所关注的。
茱莉亚学院在学生中推广什么样的活动?
对茱莉亚学院来说，外展是一种非常强大和多方面的体验。我们要求我们的学生离开他们的舒适区。我们鼓励他们去纽约市的公立学校、医院、临终关怀院和疗养院，而不是去传统的场所，以一种有效的方式在那里表演。我所说的有效，指的是节目在持续时间、内容、口头解释和参与度方面的设计，使观众能够从这种体验中受益。这对表演者也有很大的影响。对于任何艺术家，尤其是年轻艺术家来说，在非传统的场所看到他们的艺术在非传统观众身上的力量，向他们展示了艺术作为人类价值观的使者是多么强大。这种经历真的可以改变这些年轻艺术家，因为当他们回到传统的场地时，他们会以不同的方式思考。
我们也有学生去世界各地旅行，比如坦桑尼亚、墨西哥或巴西。当他们回来的时候，他们会有更高的能量来做他们想做的艺术家。他们更有动力;他们更加专注;他们经历了他们的艺术如何以他们意想不到的方式打动人们。他们真的明白，他们可以成为人类经验中一些最好价值的有力倡导者。我认为这是茱莉亚音乐学院的一部分。
那么你如何看待传统的专注于技术和通过表演接触和交流的过程之间的关系?
当一个人开始在舞蹈、戏剧和音乐方面教育年轻艺术家时，最初的重点总是倾向于技术。但技术只是通向艺术的桥梁。艺术的核心在于沟通。所以如果你把所有的音符或步骤或单词都写对了，那就不是艺术。这是技术。虽然你需要技巧来实现艺术，但如果没有表达能力和沟通的感觉，你就不会成为一名成功的艺术家。
音符、舞步、歌词都在，但表演的灵魂却不知为何缺失了。
完全正确。当年轻人第一次接触勃拉姆斯的小提琴协奏曲或拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲时，他们发现它们是一座难以攀登的大山，仅仅是在技术上实现它们，有时，我敢说超过50%的时候，年轻的演奏者会说:哇，我做到了!我能弹所有的音符!当然，他们必须意识到这只是其中的一部分。另一部分是解释这些音符，让体验变得非常强大。
“我希望我们被视为创造力和想象力的源泉，以及新一代新作品的源泉。”
综上所述，你认为茱莉亚音乐学院——或者茱莉亚音乐学院这个品牌——究竟代表着什么?
我希望茱莉亚音乐学院被认为是一个致力于卓越和未来的机构，一个不仅保持戏剧、舞蹈和音乐专业标准，而且还提高它们的地方。我希望我们被视为创造力和想象力的源泉，以及新一代新工作的源泉。
我认为，在美国，传统并不总是得到应有的尊重。从本质上讲，像茱莉亚音乐学院这样的地方的存在是为了维护和加强我们所继承的传统，而这栋楼里的很多人都深深相信并感到这对人类体验非常重要。我们要求我们的学生成为领导者，成为沟通者，成为教师，并做出改变——而不是坐下来，期待世界来到他们身边。
约瑟夫·w·波利西在纽约的采访由乌尔里克·克劳斯主持，焦点，和艾伦·d·希利克，亿康先达，纽约。
关于约瑟夫·w·波利西
1984年，约瑟夫·波利西(Joseph Polisi)被任命为茱莉亚音乐学院校长，当时他30多岁。在此之前，他曾担任辛辛那提大学音乐学院和曼哈顿音乐学院的院长，以及耶鲁音乐大学的执行官。波利西的教育背景包括音乐——他拥有耶鲁大学音乐艺术博士学位和塔夫茨大学弗莱彻法律与外交学院国际关系硕士学位。他写了两本书:作为公民的艺术家倡导表演艺术家充当世界文化大使，同时美国缪斯:威廉·舒曼的生活和时代是美国作曲家、茱莉亚音乐学院前校长的传记。和曾在纽约爱乐乐团演出的父亲一样，波利西也是一位颇有造诣的巴松手。
关于茱莉亚音乐学院
由弗兰茨·李斯特的教子弗兰克·达姆罗施于1905年创立的茱莉亚音乐学院是音乐教育界的传奇。学校提供从本科到博士的学位课程，并已发展到包括舞蹈和戏剧在内的其他艺术学科。1969年，学校成为林肯中心的一部分，被许多人认为是美国首屈一指的古典音乐场所。茱莉亚学院的录取竞争非常激烈，整体录取率在5%到8%之间。
图片来源:jÜrgen frank
